In den Jahren 2008 und 2010 war Emily Mae Smith außerordentliche Assistenzprofessorin an der Columbia University. 2011 arbeitete sie als Dozentin an der Vanderbilt University in Nashville.[3]
Emily Mae Smith arbeitet vorwiegend mit Öl und Leinwand.[4] Ihr Werk ist geprägt von einem Symbolvokabular, das mit ihrem Avatar beginnt, der von einem verzauberten Besen aus Walt Disneys Film Fantasia aus dem Jahre 1940 inspiriert wurde. Dieser Besen spielt auf den Pinsel der Kunstschaffenden an und ist zugleich ein Symbol für Frauenarbeit und den Phallus. Emily Mae Smith stellt damit einen Bezug zum traditionellen weiblichen Rollenbild her, der Besen wird als Symbol für die häusliche Arbeit eingesetzt. Gleichzeitig zeigt der Besenstiel die Grenzen der Kunst für Künstlerinnen auf und übt subtile Kritik am Kanon der Kunstgeschichte und den lange vorherrschenden Rollenbildern, die Frauen und Künstlerinnen lange Zeit den Weg versperrten. Smith entwickelt diesen Charakter permanent weiter, um Themen wie Geschlecht, Sexualität, Kapitalismus und Gewalt zu thematisieren.[1][5][6]
Emily Mae Smith präsentiert surreale Landschaften und Pflanzen, die von ihrer persönlichen Umgebung inspiriert sind und einen Kontrast zur kargen texanischen Landschaft bilden, in der die Künstlerin aufgewachsen ist.[6] Spiegel, Portale und Fenster tauchen in der Arbeit von Emily Mae Smith immer wieder auf, um über Themen wie Blick, Voyeurismus, Objektivierung, Macht und Handlungsfähigkeit zu sprechen.[7]
Eine bedeutende Wende in ihrer künstlerischen Entwicklung markierte die Arbeit mit kleinen Formaten.[8]
Laut Patricia Hickson kommentiert Emily Mae Smith aktuelle Themen wie weibliche Unterdrückung, männliche Autorität und implizierte Gewalt. Zugleich greift sie die Einsamkeit der Kunstschaffenden auf und deren ewige Suche nach dem Sinn des Lebens.[1]
“Singularly imaginative, Smith utilizes eccentric humor and a meticulous hand to convey commentary on relevant issues with an unusual vocabulary of symbols and artistic styles.”
– Patricia Hickson: Wadsworth Atheneum
Laut Carolin Kralapp „entfalten sich vor den Augen der Betrachter*innen wahrhaft tiefgründige, weitreichende Geschichten und unzählige Assoziationsketten“.[6]
↑Hier taucht bei Smith das erste Mal ihr Thema „Besen mit Spiegel“ auf.
↑In diesem Werk zoomt Emily Mae Smith auf das Gesicht ihrer Besenfigur, das mit übergroßen Sonnenbrillen und einer platinblonden Perücke ausgestattet ist. In den verspiegelten Gläsern der Brille spiegeln sich detailliert gemalte, sexualisierte Objekte wie eine rote Kirsche und ein schmelzender Eiswürfel. Diese Darstellung erinnert an niederländische Vanitas-Gemälde, die Vergänglichkeit, Eitelkeit und die Flüchtigkeit weiblicher Schönheit thematisieren.
↑Emily Mae Smith zeigt hier einen surrealen an René Magritte erinnernden Himmel mit zwei Science-Fiction-Monden – rosa und blau, weiblich und männlich – die im Hintergrund schweben. Die Künstlerin zeichnet eine vereinfachte Version ihres Besen-Avatars, der aus einem Fenster eines Zinnenturms mit einem Fernglas nach unten blickt. Diese Szene erinnert an die isolierte Situation der Lady of Shalott, die die Welt nur durch einen Spiegel wahrnehmen konnte.
↑Emily Mae Smith formt hier eine männliche Mundöffnung mit zackigen Zähnen zu einer geschnürten Sanduhrfigur. Die eingeengte, weibliche Form, die von phallischen, wackelnden Zungen verspottet wird, spiegelt die Einschränkungen und das Schicksal der Lady of Shalott wider.
↑Dieses Werk zeigt zwei identische Türme, deren komplexe, an M. C. Escher erinnernde Strukturen an den Turm der Lady of Shalott erinnern. Die Formen verweisen sowohl auf das Videospiel Monument Valley als auch auf den architektonischen Stil des italienischen Malers Giotto di Bondone aus dem frühen 14. Jahrhundert. Goldene Heiligenscheine und sinnliche Lippen verleihen den Türmen eine menschliche Note, die sie zugleich tugendhaft und verführerisch erscheinen lässt. Diese Dualität sollen die Widersprüche der Präraffaeliten widerspiegeln, die weibliche Schönheit und Sexualität mit religiöser Moral verknüpften.
↑In diesem Werk werden weibliche Brüste zu symbolischen Doppelformen und erscheinen als violette Bergsilhouetten unter einem dramatischen Himmel, durchzogen von einem bedrohlich in den Raum ragenden rauchenden Gewehr – ein Symbol männlicher Macht und Sexualität.
↑In diesem Bild gleichen Türme mit metallischen Oberflächen Brüsten, deren Spitzen giftige Dämpfe ausstoßen.
↑In diesem Werk wurde Emily Mae Smith inspiriert von dem Gemälde Marie Joséphine Charlotte du Val d’Ognes von Marie-Denise Villers, das lange fälschlicherweise Jacques-Louis David zugeschrieben wurde. Für Smith bedeutete diese Fehlattribution eine Gelegenheit zur feministischen Neudeutung. Im Original sitzt eine junge Frau in einem Zeichenkurs im Louvre, beleuchtet durch ein Fenster, mit einem festen Blick in Richtung des Betrachters. In der Variante von Smith wird diesem Bild eine surreale Note hinzugefügt: Ihre Besenfigur sitzt auf einer Chaiselongue, während sich Vorhangstoffe spiralförmig um ihren Körper wickeln und ein Kleid bilden – eine Anspielung auf die Fäden, die die Lady of Shalott umgeben. Die Figur blickt aus einem Fenster auf einen Himmel, der sie mit Gegenlicht beleuchtet.
↑In diesem Werk bietet Emily Mae Smith eine alternative Interpretation von Hunts Gemälde. Anstelle eines einzigen Spiegels werden Fenster gezeigt, die wie Augen eines Gesichts wirken, während ein Strohhaufen Lippen formt. Der baumbestandene Fluss erinnert an Hunts Landschaft. Links zieht die Besenfigur Borsten aus ihrem Pinsel, ein bewusster Akt des „Sich-Auflösens“, während die Figur rechts nachdenklich die Außenwelt betrachtet.
↑Smith greift in diesem Bild die Vorstellung auf, für die Kunst von der Welt abgeschnitten zu sein. Der Besen-Avatar malt hier ein Selbstporträt und reflektiert mit einem dunklen, schreienden Ausdruck über die Isolation.
↑In diesem Bild wird Lady Shallot durch eine Nadel ersetzt, die, ähnlich wie ein Pinsel oder Smiths Besen, mit weiblichen Lippen anthropomorphisiert wird. Der Faden der Nadel windet sich bedrohlich um sie und scheint sie einzuengen.
↑Dieses Werk zeigt einen Besen, der in einem gepolsterten Schreibtischstuhl ruht, während sein brennender Fuß sich in Rauch auflöst. Inspiriert durch das Werk von Pieter de Hoochs Gemälde A Woman Nursing an Infant with a Child and a Dog ersetzt Emily Mae Smith die stillende Mutterfigur durch den Besen und den lodernden Kamin durch eine Selbstverbrennung. Ein gelber Schein strömt durch ein Fenster und beleuchtet den Besen von hinten in einer Gegenlicht-Technik, die Smith durch vielschichtige Farbwaschungen erzielt.
↑In diesem Werk ziert ein kunstvolles Muster aus Nagetieren und Getreidebündeln eine Strumpfhose, die von einem Strumpfhalter gegen einen fleischfarbenen Farbverlauf gehalten wird. Smith bezieht sich in diesem Bild auf auf eine Person, die die nach der Ernte verbliebenen Getreidereste einsammelt, für sie ein Symbol für Fraue, die sich mit dem Übriggebliebenen begnügen.
↑Bei diesem Werk handelt es sich um eine Neuinterpretation eines Gemäldes von Gustave Moreau. Der Besen wird hier selbst zur Lichtquelle: Sein abgetrennter Kopf schwebt auf und blickt auf sich selbst zurück, wodurch der Blick auf das eigene Selbst gelenkt wird. Emily Mae Smith spielt hier mit den Bedingungen der Sichtbarkeit, die in der westlichen Kunst eine zentrale Rolle einnehmen.
↑Dies ist die erste Bronzeskulptur der Künstlerin. Smith wollte mit einem Material arbeiten, das so beständig und historisch ist wie die Ölmalerei. Die Bronze ist laut Smith ein geschichtsträchtiges, gewichtiges Medium, das unzählige Patinas aufnehmen kann. Das Werk greift ein beliebtes Thema aus dem Œuvre der Künstlerin auf. Der Besen mit Spiegel ist ein Symbol für eine kraftvolle Transformation, ein Akt der Selbstliebe und der Erkenntnis von Möglichkeiten.
↑Diese Ausstellung fokussierte auf visuelle Ausdrucksformen, die auf historische Bewegungen wie Surrealismus, Symbolismus und Pop zurückgehen, durch die Linse von Unsicherheiten der heutigen Zeit.
↑In dieser Ausstellung wurden etwa 40 Kunstwerke aus Privatsammlungen zwischen 2014 und 2018 zusammengetragen, die einen guten Überblick über das Werk von Emily Mae Smith geben.
↑In dieser Ausstellung stellt Emily Mae Smith eine Serie von Gemälden vor, die sich mit William Holman Hunts Werk The Lady of Shalott auseinandersetzen und es weiterentwickeln. Dieses Gemälde aus der Präraffaeliten-Bewegung hat Smith seit ihrer Jugend inspiriert, da sie eine Grußkarte mit einer Reproduktion besaß, die sie stets begleitete. Nun dient es als Grundlage für ihre feministische Neuinterpretation.
↑Emily Mae Smith schöpft in ihren ausgestellten Werken aus den alltäglichen Momenten rund um ihr Atelier, zum anderen bedient sie sich traditioneller, ikonographisch aufgeladener Bildmotive, um ihrem Alter Ego – dem Besenstiel – Ausdruck zu verleihen.
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